2013/06/19

学びの道筋

昨日の『有料オーディション』から派生する話だけど、特定の業界の話ではない、というのをあらかじめ断っておく。

引用した堀江氏のツイートの中で、一ヶ所よく理解できないところがあった。

養成所に入ってスキルあげなきゃってのは悪い意味での日本的真面目さなのかなと

USでも役者になろうって人は大学で演劇コースを取るなり、演技のクラスに通うなりしてスキルを磨く。役者に限らず、ある程度の人数がいる専門職なら、教えてくれる人について学ぶのは当然だ。しかもその学びは「プロになるまで」という限定的なものではなく、専門家でありつづけるために一生続く。(「Actors Studio」は俳優養成学校のように思われていることがあるけれど、元々は既にプロとして活動している俳優達がさらにスキルを磨くために集まったものだ。後に、カリキュラムを応用して学生向けに教えるActors Studio Drama Schoolが出来たけど、今でも本来のActors Studioは「役者になるために演技を教わるところ」ではなく「役者になった人がさらに芸を探求するところ」であるはず。)

なので、教えてくれるところに行って学ぼうって思うこと自体は日本に特有の話じゃない。これがなぜ「日本的真面目さ」になるのか。

で、さっきジムで自転車漕いでたらふと思いついた。

時々、「俳優になりたいので、養成所に入ろうと思う」と言いながら学校の演劇部なり地域の劇団なりで舞台を踏んだことはない、とか、「ゲームを作りたいので、専門学校に入ろうと思う」とか言いながら、趣味でゲーム作ったこともない、という人を見かける。

やるのに特別な資格や機材が要るってものなら別だけど、役者やってみるのだってゲーム作ってみるのだって、やろうと思えば今いるところで今日から始められることでしょう。もちろんそれが直接仕事につながるわけじゃないけれど、長い道のりの第一歩であることは間違いない。

とりあえずやってみないと、自分が本当にそれをやりたいのかどうかってことさえわからないし、何を学ぶ必要があるのかってこともわからない。

でも、「自分は学ぶ必要があるのだ」ということを思い知ったから学びの門を叩くのではなく、憧れの場所への順路に教室があるからとりあえずはそこに入ればコースに乗れるように思ってしまう。そういう思考パターンを指して「日本的真面目さ」と言ったのかなあと。

まあ、ほとんどの人は最初に「学校」というものに通い始めるにあたって、自分で必要性を感じてそうしたわけじゃないだろうから、ずっとその「学校」というシステムの中にいると「とりあえず教えてくれるところに行こう」って発想になるのかもしれん。

その発想に乗っかれば、教育ビジネスで儲けることは出来るかもしれん。

けれど、本当にプロにつながる人材の育成ということを考えるなら、考えてない人を誘い込むコースを用意するのは長期的には業界の首を締めることになりそうだ。

(たまに、何の経験もなく何となくで入ったのにめきめきと伸びる人もいるだろうから、「必ず学びへの決意を固めてから学校に入れ」というつもりはない。ここで問題にしてるのは、「プロへの道」が教室によってお膳立てされてるっていう発想と、それに乗っかる業者のこと。)

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Tag: Career

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2013/06/18

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Bruce Brubaker氏によるレッスン、メモ

Scriabin: Sonata No.4 Op.30

一回通して弾いて、その後、ダメ出しを受けながら部分部分を見ていった。1時間があっという間。

全体について

聴く人のことを考えよう。弾いてるあなたはすべての音を分かっているだろうけれど、整理しないでただ出したら、聴く人はどこを聴けばいいのかわからない。何を聴いてほしいかということを考えて曲を「組み立てる」んだ。

Scriabinはこの曲でたくさん「息の長い」メロディを書いている。その大きな線をきちんとつなぐこと。また、解決がうんと後に伸ばされたり (解決されないことさえある)、フレーズの導入部でわざと拍がずらしてあったりするからその曖昧さ、不安定さを考える。ベートーベンのようにぴったりくっきり弾いてはいけない。

第1楽章

6/8拍子。符点四分音符ごと、2拍/小節のリズムを常にAndanteで感じること。ルバートしても4連符、5連符が出てきてもこの2拍のリズムをちゃんと感じていればいいけれど、それが感じられなくなるととても聴き辛くなる。

冒頭、上声のメロディラインの書かれ方に注目。単に D♯--D♯G♯--D♯E♯C♯--- という単旋律ではなく、D♯の声部にG♯が加わる、C♯が加わる…というふうに書かれている。これはKlangforbenmelodieと呼ばれる。(ああ、オーケストラでビオラがだーって弾いてそこに第2バイオリンがふわーと重なって第1バイオリンがとわーっと来る感じですか?) そうそう。それぞれの声部が聞こえるように。

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左手の和声は移り変わってるけど、機能としては4小節目の最後に一瞬解決するまではずっと一緒だよね。だから和声の切り替わりをはっきり弾くんじゃなくて、ペダルをうまく使って融け合わせるように。映画で、場面と場面の間がふわっと切り替わるのがあるだろ? (クロスフェードですか?)そうそう。それそれ。ペダルを踏みかえるタイミングを遅くするといい。ショパンだとこう(実演)だろう? それをこう(実演)する。

5小節目の手前で一旦ペダルを完全に切ったけど、同じ理由で、そこは切らないで続けるべきだな。 4小節目ラストの和音で一回踏みかえる。そのまま分散和音を弾いて、左のF♯と右のA♯を弾いた後でまた踏みかえる。左の下のDナチュラルは抑えたままに出来る? 出来るね。よし。

7小節目のD♯からFダブルシャープ、ここもD♯を残すように書いてあるね。あと、ここの休符でもペダル切らないで。

5連符にポルタートがついてる。これは喋るときに音節を強調する感じ。シラブルをはっきりさせて喋ってごらん。そうそう、その感じ。

18小節めから33小節目までの盛り上がり、リズムが曖昧になるので、2拍子のAndanteをよく感じて。左手の4連符は伴奏なんだからそんなにはっきり聴かせなくてもいい。

43小節めからの右手の細かい音符。こういうのを、各ポジションで最適の位置で弾こうとすると、親指小指が黒鍵に乗る時は手が奥に、白鍵に乗る時は手前に来るよね。続けて弾くと奥に行ったり手前に来たり、手の移動のラインががたがたする。どう弾いても望む音が出るならいいんだけど、あまり手を前後させるのは効率が良くないね。黒鍵に乗る箇所ではぎりぎり手前の方で、白鍵に乗る箇所では普通よりも奥の方で、手が単に平行移動すれば良いように弾くといい。
- (同じアドバイスを第2楽章102小節目からの左手、同じく132小節目からの左手でも受けた。これを家に帰ってやってみたらおそろしくなめらかに手が動いてびっくりした。)

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50小節目末尾から。最初のFダブルシャープや51小節目冒頭のD♯は伴奏だからそんなに強く弾かない。特にD♯の方はバスのD♯にそっと添える感じで、聞こえるか聞こえないかぐらいでいい。メロディは51小節2拍目のB♯から。

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59小節目からのpoco cresc. ed accel. これはattaccaでそのまま第2楽章に突入するんで、第1楽章の終わりまでに第2楽章冒頭の速度に達していること。

第2楽章

聴かせるメロディのラインをはっきりさせる。
- 頭のD♯↑B、3拍目のD♯↓B、どちらもD♯にアクセントを置いて、Bは微妙に抜く感じ。君はBの方にアクセントを置いてる。そう弾いちゃうピアニストも多いんだけどね。そう弾くと聴いてる方が混乱する。おっと、Bをスタッカートにしちゃだめだよ。
- 2小節目、メロディはA-----G♯だ。緊張-解決のパターンだからAを強く、 G♯を抜く感じで。途中に入る和音は全部伴奏だからメロディの邪魔にならない大きさで。

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第1楽章冒頭のテーマは8小節あるけど、最初の4小節はメロディが全部強拍を外してて、 5小節め冒頭から始めて強拍に乗っかる伝統的なメロディになる。第2楽章でも、1小節は軽く飛び回ってて、2小節目でone-two-three-four、この拍に乗るだろ。一種のアウフタクトと考えてもいい。

5小節めから、メロディは上声の「タータタラッタータ」だ。他の声部はそんなに大きくしなくていいんじゃないかな。

6小節めのメロディG♯-A、これも緊張-解決だからAの方をわずかに抜く。君はAが強すぎる。

21小節めから。君の中声部は良く聞こえたけど、ここは上声部と中声部のデュエットで聴かせたいね。ソプラノとテノールだ。

30小節め。fとpの対比をはっきり。でもフォルテのF♯ majorの和音はスタッカートじゃないよ。

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48小節めからの展開部。旋律が積み重なってゆく、その階層をうまく聴かせたい。
- バスのC♯-F-F♯、この旋律も重要だから失わないように。
- 49、50小節目の左手はいろいろ弾いてるけど、大事なのは旋律を構成している音だけだ。他のは重要じゃない。聞こえるか聞こえないかぐらいでいい。
- 51小節めは、メロディとして小節頭のA♯で完結してる。後は飾りなんで、うわーっと盛り上げさえすれば、個々の音はそんなにはっきり聴かせなくていい。編集者によるペダルも踏みっぱなしになってるだろう。それが正解だと思うな。

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57小節め、右手のメロディはE-E♯だ。装飾で途切れてるけど、聴き手にはつながって聞こえるように。

続く58小節めからも、メロディのラインB-F♯-F♯-E-E-D-C♯-Dが一本に聞こえるように。上と下のは飾りだから、そっちが大きくなると上に飛んだり下に飛んだりしちゃう。

66小節めからの、第1楽章のテーマが回帰するところ。
- メロディはfffだ。思い切っていけ。
- ペダルは2小節ごとの単位で踏み続ける (途中で踏みかえない)。それによってバスを保持する。メロディ単独ではなく、バスとメロディのぶつかり合いによって力強さが産まれる。

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74小節めから、左手のメロディが埋もれがちになるので思い切って前に出して。

82小節めからの再現部。83小節め3,4拍の右手はテーマ冒頭と同じ音型だけど、 A♯-F♯ってメロディがあるわけじゃない。テーマ自体はA♯-----G♯ってメロディで変わってなくて、あとは飾り。

94小節めから。複雑なパターンだけど、ここは左手のモチーフを出して、右手の細かい音はぼかしてみようか。

102小節めからの左手の奏法は第1楽章参照。

130小節めから、繰り替えされる「タータタラッタータ」をはっきり丁寧に。

Tag: Piano

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2013/06/17

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有料オーディション

ホリエモン「声優ってそんなにスキルいるの？」発言が波紋
クラウドファンディングでアニメを作ろうという話が背景：【レポート】岡田斗司夫×堀江貴文電撃対談!!「みんなでアニメ作ろう！」は全く新しいソーシャルアニメ!!

作りたい人が金を出し合って作る、というのは要するに自主制作ってことで何も問題ない。出資者に「オーディション権」がついてくるってアイディアも、需要(声優をやってみたい人)が供給(声優をやってみる機会)を大幅に上回っているところでは合理的に生じる経済活動だ。

このへん↓はカドが立つ発言だけど、これは堀江氏の話が合理的になってしまっている状況を作ってしまった業界の問題じゃないかって気がする。

@takapon_jp 「声優って実際そんなにスキルいるんかえ？って身も蓋もない話もあるし。RT @bowwanko: 養成所は何十万もかけてるけどアニメを作ろうは一万円だからお得、というのは違うように思います。声優の卵が養成所にお金を払って通ってるのは己のスキルを上げる為であって
@takapon_jp 真面目にやってる人達には悪いけど実際売れてるタレントさんには常に声優のオファーはあるんだよね。俺にすらあるからw 養成所に入ってスキルあげなきゃってのは悪い意味での日本的真面目さなのかなと。有料オーディション通いまくる自己流でトレーニングの方が場数踏めたりしてね。

但し、上の引用の最後の部分は、芝居に関わってる者としてひとこと言いたくなった。日本の声優業界のことは知らないけれど、演技を仕事にするって意味では同じじゃないかと思うんで。

趣味でなく、演技を仕事としてやっていきたいなら、これが大原則：

オーディションに参加するのに金を払ってはいけない。ダメ、ゼッタイ。

これは「越えちゃいけない一線」みたいなもの。主催する側も、商業作品として (演技に対価を払うつもりなら) オーディションに参加費を課すべきではない、んだけれど、上で言ったように、需要と供給のバランスだけ考えれば金を取るのには経済合理性があるのでそれをやりたい主催者はやっちゃうだろう。そういう状況を止めるには、役者側が一致して「参加費を取るオーディションは受けません」と言い続けるしかない。

なぜか。

オーディション詐欺の蔓延を防ぐ、という意味もあるけれど、根本の問題は、参加費を払ったらオーディションを受ける側が「お客さん」になってしまう、ってとこだ。

業種によっては売り手になるために何らかの参加費が必要になるものもあるんで、一般的に金を払ったらお客さんになるからダメとは言えないんだけれど、役者業界では「やりたい人」がものすごくたくさんいるんで、参加費を取り始めると、募集側に「とにかくたくさん受けさせた方が儲かる」っていう間違ったインセンティブが出来てしまう。これは作り手にとってもハザードだ。

また、経済合理性だけを考えてると見落とされがちだけど、オーディションの場の心理っていうのはとても微妙なもので、審査する側はジャッジであると同時に、創造の協力者でもある。いろんなキャスティングディレクターがオーディションについて語ってるけど、共通して出てくるのは「テーブルの向こうの人々(審査員)はあなた(役者)の仲間である」ということ。

オーディションの場は、単に売り手がスキルを見せびらかしてそれを審査員が品評する場所ではなくて、「灯り始めた表現の種火を消さない」ように全員が協力して何かを作る場だ。その上で作品にとってベストと思われる人が選ばれる。でも金を払ってそこに参加するってことは、そういう繊細な創作の場に余分な雑音を持ち込むことになる。

別の言葉で言えば、オーディションという創作の場への「参加権」は、創作のことだけを考えて与えられるべきで、その権利を買いたい人がいるから売ります、としてしまった時点でもうやりたいことが創作からずれてしまうってこと。これは出資を募るのとは根本的に違う。

役者は審査員を前にして、「ここに自分が立てている理由は、100%、自分がこれまで積み上げてきた役者としての訓練と経験によるものである」ということに絶対の自信を持てないとならない。それが、底の見えない崖から飛び降りるような表現という行為を可能にしてくれる土台になる。

同じ理由で、「オーディションへの仲介業に固定費を取る」というのもこちらでは忌避される。仕事のオーディションはエージェント経由でないと話が来ないものが多いけれど、それはエージェントがコミッション制 (仕事が取れたらその報酬の何パーセントかを取る。仕事が取れなかったら何も取らない) だからだ。この制度なら、エージェントと役者の利害が一致するので、インセンティブが歪められることはない。

上のリンクで、「養成所に入るのは実質オーディションの機会を得るためにお金を払ってるようなもの」という発言が出てくるんだけど、それが本当なら業界にもかなり深刻な問題がある。

堀江氏の発言に反発を覚える人も多いだろうけど、そういう発言が妥当であるような状況を作らないようにすること、が重要だと思う。

Tag: 芝居

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